La vie secrète des couleurs

Transformer les nuances en émotions et les teintes en souvenirs profonds

La vie des couleurs est est complexe mais fascinante. Les multiples variations dans les applications de techniques et de méthodes qui ont été appliquées au cours des siècles modifient la perception de la couleur pour le spectateur. Un autre facteur majeur dans l’étude des couleurs est la prise de conscience croissante de la capacité des couleurs à jouer un rôle dans notre état de bien-être personnel et comment en regardant un mélange harmonieux de détrempe de couleur sur toile, cet état peut être modifié.

En fonction de la période historique à laquelle appartiennent les œuvres d’art, la façon dont nous percevons les couleurs change. Il s’agit principalement de la technique appliquée pour mener à bien les travaux. 

Terre d’ombre

La Scapigliata se caractérise par une palette très restreinte à base de blanc de céruse et de terre d’ombre. Plus précisément, pour le rendu des cheveux et du visage, la palette de Léonard se limite à deux tonalités de brun, une plutôt chaude et transparente et une autre plus sombre et plus dense. L’artiste use du sfumato qui est caractéristique de son travail : en l’occurrence, Léonard de Vinci met en œuvre à la fois les résultats de ses observations scientifiques sur la vision et la tradition antique de la gradation des couleurs afin d’obtenir des reliefs.  La Scapiliata condense cette poétique du mystère, si les cheveux et l’épaule sont suggérés par des lignes, le visage est tout entier composé par des jeux d’ombre et de lumière.

lmprimatura

Contrairement aux peintures modernes et contemporaines, les peintures classiques ont très souvent recours à la technique « indirecte ». Cela consistait en une combinaison de trois couches ou même plus sur la toile, de sorte que ce que le spectateur voit n’est jamais une seule strate, qui dans une certaine mesure est discernable à quelques endroits sur la toile. Habituellement, ces couches sont ancrées dans «l’imprimatura», qui est la première image sur le visage de la peinture. Ensuite, un doux lavis de couleur à l’huile établit la couche intermédiaire et le ton de la peinture. Ici, l’astuce consistait à utiliser une couleur sombre mais légèrement transparente – par exemple Terra di Siena (ou Sienna brûlée) – ainsi la surface du tableau semble scintiller doucement et acquiert de la dimension. Le troisième et dernier consiste généralement en des teintes opaques, et sur cette couche, le peintre a façonné le sujet final : les modèles et leurs détails. Cette dernière couche peut toutefois être constituée d’une seule ou de plusieurs glaçures transparentes.

Durant le 19e siècle, des chercheurs et écrivains tels que Michel Eugène Chevreul, Ogden Rood et David Sutter écrivirent des traités sur la couleur, les effets d’optique et la perception. Ils adaptèrent la recherche scientifique de Helmholtz et de Newton pour la rendre compréhensible par tous. Les artistes suivirent ces nouvelles découvertes sur la perception avec un grand intérêt. 

Impressions

A partir des impressionnistes, pionniers de l’alternativité, la technique de peinture « indirecte » a été remplacée par la technique « directe ». Dans l’utilisation de la technique directe la plupart des couleurs sont opaques, non plus transparentes contrairement aux maîtres anciens. Cette technique est particulièrement efficace pour peindre des environnements naturels et des espaces extérieurs, souvent inondés de tons clairs et brillants, car la couleur observée rebondit directement sur la surface, et s’il y a des sous-couches, celles-ci ont été complètement recouvertes.

Les Meules est le titre d’une série de tableaux impressionnistes peints par Claude Monet. Le terme fait référence au sens strict aux vingt-cinq tableaux commencés après la moisson de la fin de l’été 1890 et poursuivis jusqu’au début de l’année 1891. La série a pour sujet principal des gerbiers de blé montés en meules qui se trouvaient dans un champ situé à proximité de la maison de l’artiste, à Giverny, dans l’Eure, en Normandie. La particularité de cette série est de répéter un même motif afin de montrer les différents effets de la lumière et de l’atmosphère au fil des jours, des saisons, et des conditions météorologiques, mais aussi d’en varier les cadrages et points de vue.

Aussi affirmées qu’elles soient, les Meules de foin de Claude Monet étaient souvent définies comme simplement empathiques et visuellement agréables, ignorant pourquoi elles sont si attrayantes. Des chercheurs récents ont prouvé que l’artiste s’intéressait autant au sens qu’à la texture de la toile et, dans cette mesure, les meules de foin sont de véritables symboles de la fertilité et de la prospérité de la terre. Sur le spectateur, cependant, l’image a un effet visuel global, lui rappelant la nature et les couleurs constantes et changeantes d’un coucher de soleil. À cette fin, l’esprit est mis au défi d’aller au-delà de l’horizon et de s’immerger dans le paysage en imaginant ce que ce serait de vivre à ce moment précis et comment il se sentirait. L’esprit est soudainement amené là.

L’art est l’harmonie. L’harmonie est l’analogie des contraires et des éléments similaires du ton, de la couleur et de la ligne, considérés en fonction de leur position dominante et sous l’influence de la lumière, dans des combinaisons gaies, calmes ou tristes.

Georges Seurat  in  lettre à Maurice Beaubourg

Selon Georges Seurat, la gaieté peut être obtenue par la domination de teintes lumineuses, par la prédominance de couleurs chaudes et par l’utilisation de lignes dirigées vers le haut. Le calme, lui, est obtenu par un équilibre entre l’utilisation de la lumière et de l’obscurité, par un équilibre de couleurs chaudes et froides et par des lignes qui sont horizontales. Quant à elle, la tristesse est obtenue en utilisant des couleurs sombres et froides et des lignes orientées vers le bas.

Abstractions

Les œuvres de Rothko et Riley sont la preuve de l’efficacité des couleurs, malgré l’abstraction de l’œuvre et l’absence de sujet figuratif. La couleur, si elle est appliquée avec sensibilité et compréhension, transforme les nuances en émotions et les teintes en souvenirs profonds. 

En 1959, Bridget Riley a peint une copie du Pont de Seurat à Courbevoie (1887), l’un des points forts de la collection de la Courtauld Gallery. Cela s’est avéré être un moment décisif pour l’artiste en lui offrant une nouvelle compréhension de la couleur et de la perception. Les leçons que Riley a apprises de Seurat l’ont enhardie à se lancer dans le domaine de l’abstraction pure.

Je ne m’intéresse qu’à exprimer les émotions humaines fondamentales, et le fait que beaucoup de gens s’effondrent et pleurent lorsqu’ils sont confrontés à mes images montre que je communique ces émotions humaines fondamentales. Les gens qui pleurent devant mes tableaux vivent la même expérience religieuse que j’ai eue quand je les ai peints. et le fait que beaucoup de gens s’effondrent et pleurent lorsqu’ils sont confrontés à mes photos montre que je communique ces émotions humaines fondamentales. Les gens qui pleurent devant mes tableaux vivent la même expérience religieuse que j’ai eue quand je les ai peints. et le fait que beaucoup de gens s’effondrent et pleurent lorsqu’ils sont confrontés à mes photos montre que je communique ces émotions humaines fondamentales. Les gens qui pleurent devant mes tableaux vivent la même expérience religieuse que j’ai eue quand je les ai peints.

Mark Rothkoa

Bien connue depuis le milieu des années 90, l’œuvre de Bridget Riley a été définie comme un art optique, car elle expérimente les phénomènes optiques. Son utilisation de palettes produit un dynamisme vibrant à la surface, l’artiste définissant ses œuvres comme étant vivantes. Contrairement à Rothko, les œuvres de Riley sont destinées à amender, guérir et apaiser. Les yeux devraient presque être caressés en fixant les rayures, les points ou les vagues de teintes complexes de Riley. Les couleurs semblent s’animer et les yeux s’installent à leur rythme. En effet, la palette de Riley est souvent douce et contrôlée, pâle et pastel, ou lumineuse mais calme.

Ces dernières années, Mark Rothkoa été largement associé à une utilisation sans précédent de la couleur en raison de ses toiles de recherche composées d’arrangements de formes carrées ou rectangulaires décrites dans des teintes vives et vives. La façon dont Rothko a expérimenté la couleur dans ses peintures était basée sur l’examen de la façon dont les couleurs, les formes et les arrière-plans interagissent les uns avec les autres, en particulier sur les bords. Ainsi, dans son œuvre, les bordures douces et broussailleuses embrassant des champs de couleurs créent une ambiance, tandis que les lignes plus nettes et plus droites des formes centrales en invitent une autre. Des juxtapositions cohérentes de nuances similaires ou divergentes – des nuances de bleu profond contre violet foncé ou un rouge vif contre marron – provoquent des réponses émotionnelles disparates. Par exemple, il est prouvé que ces œuvres libèrent le pouvoir et enivrent le spectateur d’énergie. The Independent a également défini Rothko comme l’artiste le plus « pleuré » pour la capacité de ses toiles à susciter des émotions fortes et la crainte du spectateur grâce à l’utilisation infinie de couleurs absolues. 

Sentir sa couleur

En Occident, selon une tradition positiviste et objectiviste, la couleur n’existe pas en soi dans la nature, elle est perçue par notre corps cérébré au prix d’un décodage neurocognitif. Une couleur est donc définie par sa longueur d’onde, ou par un mélange de longueurs d’onde. La perception de la couleur de chaque être humain dépend, d’une part, du signal couleur parvenant à son cortex visuel (aspect physique et physiologique), d’autre part, de la façon dont ce signal est interprété. La couleur est un attribut de la sensation visuelle, et l’on distingue plusieurs étapes dans le traitement de l’information colorée, dont la photoréception, assurée par les cellules de la rétine, et le codage différentiel des signaux, assuré par le système nerveux central.

Sentir sa couleur présuppose que le corps lui-même est symboliquement composé de couleurs. Sentir sa couleur suppose une exploration sensorielle de son vécu corporel, de ses états d’âme et de ses humeurs corporelles.

顏色

Dans la langue chinoise couleur se dit 颜色 yán sè, il signifie également pigment, colorant mais aussi apparence, expression faciale. De même le caractère 色 sè prend les sens de couleur, d’expression du visage et de plaisir. Le caractère 颜 yán désigne l’emplacement entre les deux sourcils. Dans le commentaire du célèbre érudit Duan Yucai il est dit: La honte, le regret, la joie et les inquiétudes sont appelés 颜色 yán sè parce que le cœur d’une personne atteint le 氣 qì qui atteint les sourcils». Le caractère 色 est composé d’un homme (人 déformé en ⺈) et d’un sceau (卩 dans sa forme 巴) : car, dit la glose,  le coloris du visage répond aux sentiments du cœur, comme l’empreinte répond au sceau .

En Chine, la lecture du visage et de la main existe depuis plusieurs millénaires, elle applique les lois de la nature et use donc de la théorie du yin-yang dans la lecture du visage et la main. 

善診者，察色按脈，先別陰陽，補其不足，瀉其有余。

素問

Le Classique Interne de l’Empereur Jaune énonce que « Celui qui est bon en diagnostic, observe la couleur et prend le pouls, il différencie d’abord le yin et le yang, tonifie l’insuffisance et disperse l’excès .»

• Le rouge représente la chaleur, l’inflammation, la plénitude chaleur des organes et entrailles, le vide de yin et le feu à l’extérieur, les problèmes liés au cœur.
• La blanc représente le vide de sang, la faiblesse du au froid, les problèmes de poumon.
• Le jaune représente l’humidité et les problèmes liés à la rate et à l’estomac mais aussi au foie et à la vésicule biliaire.
• Le bleu vert représente la mauvaise circulation du souffle, la stagnation de sang, le froid, les douleurs, les problèmes de foie et les convulsions infantiles.
• Le noir représente le froid, les toxines, la stagnation de sang, des liquides, les douleurs et le vide de yang des reins.

顏色醫

De tous temps, la médecine chinoise classique avait remarqué que les couleurs de l’environnement, des habits et même de la nourriture influait profondément sur la santé. En fonction de l’activité, du lieu, de la saison et même de l’âge de la vie il convenait alors de trouver les couleurs les mieux adaptées à l’individu et à sa famille. Cette forme de chromothérapie nommée médecine (医 yī) par les teintes (颜色 yán sè) prenait racine dans la plus authentique tradition classique de la chine antique puisque ses bases en avaient été fixées par le Classique Interne de l’Empereur Jaune .

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• Werner’s Nomenclature of Colours
• Esquisser un monde : l’exercice de la rêverie selon Léonard de Vinci
• Monet and Boston: Lasting Impression
• Rembrandt se raconte dans ses multiples autoportraits
• Bridget Riley–Living with art. Picasso to Celmins (group show) – Galerie Max Hetzler
• Bridget Riley review – a shimmering, rolling, flickering spectacular | The Guardian
• Turning Shades Into Emotions and Hues Into Deep Memories
• Sentir sa couleur de la santé par les teintes ? | Cairn

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